COMUNICACIÓN E
INNOVACIÓN DE IMPACTO
INNOVACIÓN DE IMPACTO
Los Millennials, es decir, aquellos nacidos entre 1980 y principios de los 90, han sido el gran tema de los medios y el público objetivo de diversas campañas publicitarias debido a la forma en que esta generación se manifestó al llegar a la edad adulta y, por consecuencia, al incorporarse al mercado laboral. Si bien ciertos comportamientos y rupturas fueron vistos como positivos e innovadores, también ciertos hábitos y exigencias se convirtieron en blanco de críticas o incluso de burlas. Uno de ellos es la manera en que esta generación se comporta en las redes sociales y cómo utiliza la tecnología digital hoy en día. Pero la gran pregunta es: ¿son realmente los millennials responsables de este tipo de comportamiento o es solo la continuidad de un hábito que se ha alimentado durante siglos y potenciado por la innovación tecnológica?
Este es el enfoque del texto de Susan Sims sobre la relación entre la actual cultura de las selfies y los autorretratos de la realeza del siglo XVIII. En aquella época, las familias reales europeas tenían la costumbre de contratar artistas para pintar retratos de sí mismos y así inmortalizarse a través del arte. Hoy, sin embargo, con las nuevas tecnologías capaces de generar imágenes —desde la fotografía analógica hasta la digital—, vivimos un abaratamiento y una popularización de la herramienta. Tal cambio ha hecho que crear retratos (y autorretratos) se convierta en algo cotidiano y masivo, lo que inevitablemente nos lleva a reflexionar sobre si vivimos en una era egocéntrica y superficial, ya que, al igual que ocurría con las pinturas de retratos, hoy también editamos nuestras imperfecciones; ya no con pinceladas de óleo, sino en aplicaciones como FaceTune. En palabras de Sims: “Al igual que con los nuevos filtros de tonos pastel de Instagram, [el artista inglés] Joshua Reynolds y muchos otros artistas usaban sus pinceladas para cubrir la dura realidad de las pieles imperfectas, el cabello despeinado y [nuestra] mortalidad”.
Con el abaratamiento de los espejos, los artistas comenzaron a usarlos como una herramienta de entrenamiento al crear autorretratos, mucho más baratos y accesibles que contratar modelos. Pero los autorretratos no eran considerados una obra de arte en aquella época, a pesar de haber funcionado mucho más que como un simple entrenamiento: eran la oportunidad para que los artistas también alcanzaran su propia inmortalidad en imagen y realizaran un estudio sobre su identidad, algo que estaba ganando relevancia durante el Renacimiento en Europa, una época en la que el humanismo prosperaba y se creía que cuanto más se conociera una persona a sí misma, más cerca estaría de encontrar a Dios.
Por eso, no es sorprendente encontrar autorretratos de artistas que se ilustraron con la apariencia de Cristo. Es el caso de Alberto Durero, por ejemplo, quien también comenzó a usar su propio rostro para sus encargos de pinturas de Jesús. Pero este hábito no estaba reservado a un posible egocentrismo: Durero fue uno de los primeros artistas en reforzar el papel de esta clase como creadores supremos, anticipando así el movimiento de emancipación del artista como alguien capaz de materializar su creatividad de forma independiente, sin estar supeditado a los encargos de la realeza y la Iglesia. Como parte de este esfuerzo por el cambio, los artistas también comenzaron a incluirse en los retratos encargados: ya fuera como un reflejo en el espejo, como en la famosa pintura El matrimonio Arnolfini (1434) de Jan van Eyck, o incluso como personaje, como en el icónico cuadro Las Meninas (1656) de Velázquez.
Las mujeres pintoras, aunque pocas, también resistían y hacían lo posible por practicar su arte a través del autorretrato, ya que difícilmente tenían acceso a los grandes círculos del arte si no era como modelos; de hecho, hasta el siglo XX, a las mujeres se les prohibía observar modelos desnudos. Fue en ese punto de inflexión cuando Frida Kahlo, más por cuestiones de salud que por una imposición política o social, comenzó a crear autorretratos como una forma de lidiar con su propia soledad y el confinamiento impuesto por sus accidentes y enfermedades. La diferencia es que, mientras los retratos del Renacimiento editaban la belleza de sus personajes, Kahlo prefería representarse de manera cruda y fiel: con sus cejas unidas y su vello facial visible. Según Sims, Frida Kahlo llegó a afirmar que pintaba muchos autorretratos precisamente porque se sentía muy sola. Y la pregunta que queda es: ¿qué dirían los usuarios de Facebook e Instagram para justificar la multiplicación de sus selfies?
Con la llegada de Kodak en 1900, más personas pudieron producir retratos de sí mismas y de otros de manera más accesible, rompiendo con el privilegio y la exclusividad de la nobleza y la burguesía. Aunque la tecnología aún no se había vuelto totalmente democrática, la fotografía provocó un desplazamiento tanto en el acceso como en la reproductibilidad técnica del formato retrato. Es decir, mientras que las pinturas tardaban meses en terminarse, las fotografías se volvieron instantáneas con la llegada de la Polaroid y sus cámaras, que costaban 180 dólares durante la década de 1970.
Sims menciona a la cantante Stevie Nicks como un ejemplo de artista que decidió aprender más sobre fotografía haciendo retratos de sí misma con una Polaroid, entendiendo así mejor tanto el posado como la composición y la iluminación. Cindy Sherman también se convirtió en un icono y referente del autorretrato fotográfico, reviviendo la exploración de la identidad del artista al transformarse en diferentes personajes con cada clic. Y con la llegada de los teléfonos móviles y los smartphones, el acceso a la fotografía se amplió aún más y añadió una nueva capa a la polémica sobre el quehacer artístico y la producción de imágenes: mientras que los retratos exigían mucha técnica y aprendizaje, la fotografía digital solo requiere que tengamos el dispositivo y presionemos un botón. De ahí nacen los influencers y las celebridades "selfie-céntricas", lo que Sims concluye que es el epítome de lo que el fenómeno de la selfie se ha convertido o, en realidad, lo que siempre fue: marketing.
“La realeza usaba sus retratos para venderse a sí misma, Artemisia Gentileschi los usaba para demostrar su refinada educación y Rembrandt los usaba para mejorar sus habilidades.
Aun así, hoy en día se trata menos de una autocrítica y más de un autoengrandecimiento. Al igual que los niños jugando en el parque, se trata más de un 'mírame', independientemente de si esa atención se gana o no”.
Aunque la culpa de este hábito de las selfies se le haya atribuido a los Millennials, en realidad se trata de una práctica mucho más antigua y arraigada en el comportamiento humano. Algo que, de hecho, da pie a reflexiones más profundas sobre la simbología de la representación humana en imágenes, desde las pinturas rupestres y las esculturas del paleolítico hasta la forma en que “el hombre o la mujer común pueden sentirse iguales a los Borbones o a Lady Gaga —aunque sea superficialmente— sin tener realmente ninguna importancia”. Como las pinturas y esculturas eran un proceso lento, complejo y costoso, reservado solo a la nobleza, esta producción de imágenes se convirtió en sinónimo de importancia y estatus, algo que se rompe con la simplificación de la técnica en los dispositivos electrónicos, de modo que cualquiera puede ser el sujeto de un retrato y la lógica de la importancia y la relevancia se disuelve en el acceso a la tecnología, más barata, pero aun así un punto de inflexión.
Entonces, como señala Sims, “de hecho, tenemos más en común con los reyes y reinas de siglos pasados de lo que imaginamos”; solo hemos creado un nuevo reino digital en el que nuestras imágenes técnicas crean inmortalidades y relevancia en el nuevo mundo simbólico de las redes sociales.
